《[文集]安吉尔·罗芬》萌一脸基血

2、关于经典艺术的粗浅思索

　　昨天和朋友从观众、听者与消费者的角度，简单探讨了一下大概念中的“艺术”这一存在的现状。摘录我的部分个人观点如下：
　　经典艺术——音乐剧、戏剧，乃至戏曲、地方民艺等等在内的民族艺术——现当代作品还是太少。缺乏新作品的结果就是大部分的剧团们只能反复演出经典，观众的口味在这过程中也反复经过固定，越来越缺少多样性和变化。这是市场需求；而市场和人材供应方面，学习经典艺术的人也越来越少。
　　这几乎可以说是大众共识，不仅是国内，在国际上也可以称作是全球的社会共识：在我们这个岁数或更年轻一点的人，因为喜欢某种艺术而想要入行，尤其是想要学习那种知名度寥寥、举国上下都不一定有多少人知晓的艺术的，所做所想就是在拯救非物质文化遗产，宛如不放弃绝症病人、坚持为其治疗，希望这位病人再能多活半年的医生。
　　经典艺术已俨然成为了娱艺市场上的大熊猫。我们的社会和管理机构围出了一个保护区，严加看管，让所有的看客都知晓，“噢，这是珍稀动物。”可真正的物种保护只是做到价值被认可是不够的。好比在影视剧里，某个氏族三代单传，血脉就在风里将断未断地飘，它若想真的把自己延续下去应该怎么办？
　　当然，经典艺术不可能丢了经典，从前的名戏、名剧都是艺术的根基底蕴，一定要一直演，一定不能丢。但要在未来不断地延续下去，作为人类史上的活着的艺术不断地绵延下去，就不该只围栏里叫人看，必须得跟着时代一起往前走。我谓之“艺术的繁衍”。
　　谈起艺术的创新与繁荣，有部分原因是因为前几天刚过春节，在某网络拜年视频中看到了以京韵大鼓形式表演的虚拟偶像节目，弹唱的主题是去年点爆全球影院票房的美国大片。又加之，最近的职业歌手竞演比拼节目里，出现了擅长把本族语言说唱融入欧美曲风的藏族年轻组合。这在我看来就是非常有趣且有意义的经典艺术创新的尝试，把经典与现代流行融合在一起。不能让一代一代新的年轻人喜欢，艺术就不能自由地活下去，只能被箍起来，变成让人瞻仰的保护动物。
　　对于反对经典艺术进行创新，觉得创新就是亵渎传统的观点，我并不是完全不能理解，但我仍然要表达我对此类观点的强烈不赞成。我反对觉得经典的创新等于变样。经典在一开始被创作出来的时候，不也和同时代的作品一样是新生儿吗？经典在诞生的最初，必定也是在它所生时代的一次动人心魄的创新！它们中的许多也曾经历过如今市面上那样大红大紫、人尽皆知的潮流，也曾在大街小巷被不同的音色和肢体遍遍传唱、吟诵、如痴如醉地演出，出现在殿堂辉煌或街头寒怆的表演场。经历过几十年、几百年甚至上千年时光的大浪淘沙，跨越时代与空间引起数不尽的感动和共鸣，最终才在岁月的冲刷下被无数代的人奉为精品，在诸多艺术品中不灭了。
　　由此我们得知，经典也不是生下来就是经典的。艺术要活下去，就得和当年经典生下来的时候一样，去写新东西。写很多很多，写成百上千，在这数千作品之中就可能会诞生一部作品，成为下一个时代的“四大名著”，肖邦、贝多芬与莫扎特，莎士比亚戏剧。
　　这才是艺术应该生存下来的方式。而不是怀念过去，否定现在，哀叹未来。
　　年轻的艺术创作者要从有学问和人生、艺术经验的老一辈那里学习学问和经验，一面学，一面产生自己的新东西。等这些年轻人老了，就去教育下一代的年轻人如何学经验的同时紧跟时代进行创新。作为创作者的我们、作为欣赏者的人们，永远得喜欢新东西。创作者们悄悄在新东西里面留下老东西的底蕴，给经典新生的活力和趣味，把艺术推广开来、让更多年轻新生的灵魂也像过去的人们那样欣赏，这是我认为的文化发展。事实上，就算是当代的娱乐艺术文化行业，有领袖实力、有影响力的行业推动者也永远都在创新一线勇当桥头堡。他们始终观察着与自己不同的新风格、新艺术和新事物，吸纳能与自己融合的元素，不断尝试在作品上推陈出新，同时也不断地支持着新生代的火苗，期望它们燃成熊熊烈火。
　　希望我们的艺术经典能更多、走得更久，生存至永恒鲜活！